Festival Fil

« Bienvenue à Kaïros, l’émission nocturne qui saisit le temps… » disait Emmanuel Schwartz, alias Manu, au micro de son émission. Et si un film pouvait se prolonger dans la ville? Inspirée de son long métrage Kaïros, la cinéaste Jennifer Alleyn propose une expérience à la croisée du cinéma, de la littérature et de la déambulation urbaine.Guidé par une trame sonore accessible sur téléphone, le public est invité à parcourir les lieux où le film a été tourné et à redécouvrir Montréal à travers ses paysages, ses souvenirs et ses résonances poétiques.

Ponctuée d’extraits littéraires, de musiques, de commentaires de la réalisatrice et de lectures de textes qui l’habitent, cette promenade fait écho aux thèmes au cœur de Kaïros : la mémoire, le déracinement, la fragilité du présent, la puissance de l’imaginaire et le rôle essentiel de l’art pour traverser les épreuves. On y entend notamment des mots d’Evelyne de la Chenelière, Mordecai Richler et Caroline Dawson dont les œuvres traversent le film comme autant de repères sensibles.

Une invitation à marcher dans les pas du film, là où cinéma et littérature deviennent refuges, compagnons de route et outils de résistance.

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Eric Jean est sans l’ombre d’un doute l’un des metteurs en scène les plus estimés et les plus singuliers de sa génération. Créateur audacieux et unique, dont l’apport artistique au théâtre québécois est considérable, il nourrit depuis toujours une passion pour la photographie. « Comme en mise en scène, photographier, c’est choisir ce qui entre dans le cadre et ce qui reste dans l’ombre, dit-il. Mais c’est aussi accepter que l’image déborde, qu’elle raconte ce qui était là avant et ce qui viendra après. C’est un récit en suspens, un fragment de vie qui continue de vibrer une fois le déclencheur relâché. »

Parce que nous savons qu’Eric Jean est aussi un grand lecteur, nous avons voulu rendre hommage à son talent en demandant à dix artistes des mots d’écrire un texte inspiré d’une de ses photographies, choisie par chacun·e. Le résultat est magnifique. Vous découvrirez ces textes, lus par leurs auteur·rice·s, en ligne, un à la fois, en début de journée, pendant toute la durée du Festival.

Une présentation de l’Association des traductrices et traducteurs littéraires du Canada
À découvrir gratuitement du 23 septembre au 3 octobre.

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OANA AVASILICHIOAEI, ARTISTE DE L’ÉCOUTE
La traduction est un art discret, mais essentiel. À travers cette série de balados, des traductrices d’expérience racontent leur parcours, les œuvres qui les ont marquées, les défis qu’elles ont relevés et leur conception de ce métier de création. En compagnie de Jeannot Clair, elles réfléchissent aux multiples enjeux de la traduction littéraire d’aujourd’hui.
Épisode enregistré à la Bibliothèque du Plateau Mont-Royal par Benoît Côté.

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CATHERINE EGO, PASSEUSE DE LITTÉRATURE DES PREMIÈRES NATIONS
Catherine Ego, traductrice canadienne née en France, artiste de scène, deux fois lauréate du Prix du Gouverneur général pour la traduction de l’anglais au français, grande passeuse de la littérature des Premières Nations, parle de son arrivée au Québec, de l’appel du métier, de son groupe Paroles Égales, de son travail de guérison des mémoires, et de l’expérience de traduire Markoosie Patsauq, Anahareo, et quelques romans d’amour.
Épisode enregistré par Benoît Côté à la Livrerie, à Montréal, dans le cadre du programme Dans la ville du Salon du livre de Montréal. Sons additionnels d’Oana Avasilichioaei.

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DOMINIQUE FORTIER, LA STYLISTIQUE APPLIQUÉE
Dominique Fortier, écrivaine et traductrice, lauréate du Prix de traduction de la Fondation Cole et du prix Renaudot essai parmi de nombreux autres, se questionne sur les liens (fantasmés ?) entre écriture et traduction, révèle les leçons que lui ont données plusieurs figures de mentor·es, parle des textes forts différents de Lisa Moore, Anne Michaels et Heather O’Neill qu’elle a pu traduire, et, au fond, en revient toujours à la poésie.
Épisode enregistré par Adrien White à l’Hôtel 10, à Montréal, dans le cadre du festival littéraire Metropolis bleu. Sons additionnels d’Oana Avasilichioaei.

Pour ouvrir sa 32e édition, le Festival international de la littérature (FIL) s’associe aux Éditions La Peuplade afin de présenter La surface blanche, un spectacle-lecture qui souligne le 20e anniversaire de cette maison d’édition tout en réaffirmant une conviction qui anime le FIL depuis plus de 30 ans : faire dialoguer la littérature avec les autres formes d’art. Inspiré de la trilogie sur la solitude et la création de Gyrðir Elíasson, ce spectacle-lecture invite le public à découvrir l’une des voix les plus singulières de la littérature islandaise contemporaine.

Écrivain de la nature, du silence et de l’intériorité, Gyrðir Elíasson entraîne le lecteur dans le quotidien de trois artistes — un peintre, un écrivain et un compositeur — retirés dans de petits villages du Nord. Face aux fjords, à la mer ou à la fenêtre de leur refuge, ils cherchent, jour après jour, la force de poursuivre leur œuvre. Dans ces paysages d’une beauté saisissante, où les saisons façonnent le rythme de la vie, l’hiver, la lumière et le silence deviennent les véritables compagnons de la création.

Mise en espace par Eric Jean, cette traversée sensible de l’univers d’Elíasson fait entendre une littérature où le temps semble suspendu. Quelques variations lumineuses, des images vidéo et la présence de la pianiste Viviane Audet accompagnent la lecture sans jamais prendre le pas sur les mots, laissant toute sa place à la puissance du texte. Dans cette scénographie épurée, image, musique et littérature se répondent avec délicatesse, dans une lenteur habitée fidèle à l’univers singulier de l’auteur.

Traduit en français par Catherine Eyjolfsson et publié aux Éditions La Peuplade depuis 2017, Gyrðir Elíasson s’est imposé comme l’une des voix les plus singulières de la littérature islandaise contemporaine. Interprété par Maxim Gaudette, James Hyndman et Emmanuel Schwartz, La surface blanche offre une rare occasion de découvrir cette œuvre dans une forme scénique où lecture, musique et arts visuels s’unissent au service de la littérature.

Du printemps arabe à Donald Trump, des promesses de la Silicon Valley à la dépendance numérique, de l’insouciance de la jeunesse millénariale à l’écoanxiété de la génération suivante, Hubris montre, sans argumenter, comment nous en sommes arrivé·es là. Pour reprendre les mots de Simon-Pierre Beaudet, il s’agit d’« une histoire mondiale, mais vue d’ici », une histoire que nous avons regardée défiler dans nos téléphones, à toute vitesse et sans toujours en saisir le sens. Peuplé de jeunes dans le vent, de mouvements populaires, de chroniqueurs qui n’aiment rien, d’autoritaires en quête de pouvoir et d’innombrables apartés qui nous détournent de l’essentiel, ce récit est traversé par ce que les Grecs nommaient l’hubris, « un sentiment violent inspiré par l’orgueil et l’arrogance, mais aussi l’excès de pouvoir et le vertige qu’engendre un succès trop continu ». Plein de bruit et de fureur, mais aussi d’espoirs et de moments cocasses, il se lit comme un prélude au nouveau désordre mondial.

C’est armé·es de lunettes prompteurs que Catherine Dorion et Christian Lapointe se laissent traverser par cette partition, qui reboucle ses obsédants leitmotivs pour nous donner à entendre d’où l’on vient, éclairant ainsi pourquoi nous avons déjà les deux pieds dans un XXIe siècle débridé. Entre leurs mains, le texte de Simon-Pierre Beaudet devient une performance à mi-chemin entre le cynisme et la jubilation.

ÉCHO CRITIQUE – « La synthèse est cadencée de telle sorte qu’on éprouve le désir de lire à voix haute à notre entourage ce récit non argumenté des hauts faits d’une décennie faste pour le capitalisme et la corruption et les révolutions inachevées, c’est bon en ti-péché, j’en reviens pas! » – Olivier Boisvert, Librairie Gallimard

À la lecture de la plaquette Résister, de Salomé Saqué, Anne-Marie Olivier et Véronique Côté ont eu envie de réunir des complices pour une soirée consacrée aux mots qui donnent du courage, du souffle et le désir d’agir. Elles leur ont lancé une série de questions : quels sont les écrivain·e·s, les penseur·euse·s ou les artistes qui les ont aidé·e·s à tenir debout? Quels textes continuent de les accompagner? Vers quelles œuvres reviennent-ils et elles lorsque le monde vacille? Et que peuvent-ils et elles transmettre à leur tour?

De leurs réponses naîtra un vaste « potluck » littéraire, un festin de mots pour la tête et le cœur où lectures, confidences, manifestes, poèmes, chansons et prises de parole se répondront librement. Chacun·e apportera une œuvre, un extrait, une pensée ou une parole capable d’éclairer le présent, de nourrir l’espoir ou de ranimer le courage.

Au fil de la soirée, les multiples visages de la résistance se révéleront : politique, sociale, intime ou poétique. Il sera question de solidarité, d’engagement, de refus, mais aussi de vulnérabilité, de doute et de cette joie qui, parfois, devient elle-même un geste de résistance. Ensemble, les artistes réunis composeront une véritable bibliothèque de combat : une collection vivante de textes à partager, à transmettre et à garder près de soi lorsque les temps deviennent plus rudes. Une célébration de la littérature comme force de rassemblement, de lucidité et d’espérance.

Figure majeure de la littérature catalane contemporaine, Joan-Lluís Lluís, né à Perpignan en 1963, est l’un des écrivains qui ont le plus contribué à faire rayonner la langue et la culture catalanes. Écrivant exclusivement en catalan, il fait de cette langue à la fois un espace de création et un geste politique. Son œuvre explore avec une remarquable liberté formelle les liens entre la langue, l’identité, l’histoire, les frontières et le pouvoir, tout en célébrant la force de l’imaginaire et de la littérature.

Auteur d’une vingtaine d’ouvrages, il navigue avec aisance entre le roman historique, le récit d’anticipation, l’uchronie, la fable, l’essai politique ou linguistique, la poésie et la traduction. Plusieurs de ses œuvres ont été traduites en français, notamment Le jour de l’ours, Chronique d’un dieu boiteux et Junil. Ce dernier, inspiré de l’Antiquité, a remporté le prix Òmnium du meilleur roman de l’année 2021 en Catalogne ainsi que le prix Millepages de littérature étrangère 2024 en France. Véritable ode au savoir, à la transmission et au pouvoir émancipateur de la lecture, Junil sera également au cœur du cercle de lecture organisé par Lisez l’Europe.

Animée par l’écrivaine québécoise Élise Turcotte, cette rencontre offrira une occasion privilégiée de découvrir l’univers d’un auteur qui conjugue l’histoire et l’imaginaire pour interroger les récits dominants et défendre la langue comme un territoire vivant, un espace de résistance, d’invention et de liberté.

Une pause-dégustation aux saveurs de la Catalogne du Nord réunira les participant·e·s entre la causerie et le cercle de lecture.

Avec ce spectacle, les enfants de 5 ans et plus sont invités à embarquer pour un merveilleux voyage dans le temps à la rencontre d’Antonio Vivaldi et de Wolfgang Amadeus Mozart, en suivant les aventures de Minime, une irrésistible petite souris aussi gourmande de fromage que passionnée de musique.

Chargée d’aider la petite Ambrosina, qui vient de perdre une dent de lait et espère trouver une pièce sous son oreiller à son réveil, Minime devra faire preuve d’audace et d’ingéniosité pour échapper aux griffes d’un chat affamé. Son périple la mènera de la Venise de Vivaldi jusqu’en Angleterre, où elle fera la connaissance du jeune Wolfer, ouvrant ainsi la porte à de nouvelles découvertes musicales.

Inspirée de la collection d’albums musicaux Petites histoires de grands compositeurs de La Montagne secrète, cette adaptation scénique déploie un univers tendre, vivant et musical, où le théâtre, la littérature jeunesse et la musique classique se rencontrent avec poésie. Les illustrations originales de Marie Lafrance prennent vie grâce à des projections immersives qui enveloppent le public. Benoît Brière prête sa voix au récit avec humour et sensibilité, accompagné en direct par l’Ensemble Quatre Saisons, sous la direction de la violoncelliste Christine Harvey.

Une première rencontre inoubliable avec la musique classique à partager en famille, où les oreilles s’émerveillent, les yeux s’illuminent et l’imagination prend son envol.

Fondée à la fin de 2019, Hurlantes éditrices est une maison d’édition engagée à faire entendre les voix qui bousculent, vibrent et dérangent. En valorisant l’oralité, en tendant le micro aux auteur·rices habité·es par le besoin de hurler ce qui brûle en eux·elles, Hurlantes crée un véritable espace de liberté littéraire. Aucune frontière de genre : poésie, théâtre, essai, roman… tout est possible. Carrefour de voix nouvelles, puissantes et résolument actuelles, elle façonne le paysage littéraire d’ici avec audace et authenticité. La maison se distingue aussi par son amour des scènes où la parole prend corps.

Ce sera la troisième édition du cabaret de Hurlantes éditrices dans le cadre du FIL. L’éditrice de feu qu’est Pénélope Jolicoeur propose cette année, avec toute sa bande, un spectacle littéraire éclaté et incisif : Fake Foraine : Mascarade, faux départs et autres défilements.

Dans une atmosphère de bal masqué où tout vacille entre le vrai et le faux, les textes explorent les identités que l’on performe et celles que l’on dissimule : personæ et autres cachettes, mensonges assumés ou involontaires, visages à géométrie variable… En parallèle, le spectacle s’attarde à ces élans coupés net, à ces vies en suspens, aux faux départs, aux occasions manquées, aux brouillons abandonnés, aux projets avortés. Ici, les voix se croisent, trébuchent, se dévoilent (ou pas), dans une traversée à la fois drôle, touchante et résolument actuelle, où défiler devient une manière de se chercher et, peut-être parfois, de se rater avec panache.

Le Festival international de la littérature (FIL) est heureux de s’associer, pour une cinquième année consécutive, à l’Espace de la diversité (EDLD) afin de présenter une série de rencontres littéraires dans le Grand salon de l’esplanade Tranquille, au cœur du Quartier des spectacles. Sous le thème « Les écrivain·es disent non à la guerre », ces échanges proposeront une réflexion à la croisée de la création littéraire et de la pensée contemporaine.

Depuis sa création, l’EDLD fait entendre une pluralité de voix en mettant en lumière les expériences d’auteur·rices, de lecteur·rices et de passeur·euses de toutes origines. Fidèle à sa mission, l’organisme œuvre à repenser le vivre-ensemble en combattant le racisme et l’exclusion par le livre, faisant de la littérature un espace de dialogue, de résistance et de rencontre.

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Lundi 28 septembre – 12 h à 13 h
Le vivre-ensemble : idéal dépassé ou urgence?
Est-ce que le vivre-ensemble est toujours un idéal réaliste et à portée de main en 2026 ou est-ce une utopie désormais dépassée dans un contexte de montée du fascisme?
Invité·es : Mélikah Abdelmoumen et Toula Drimonis
Animation : Dalila Awada

Traduire un poème, ce n’est pas seulement passer d’une langue à une autre. C’est recréer un rythme, une musique, un imaginaire. C’est accepter de perdre certaines choses pour en inventer d’autres. Plus qu’un exercice de fidélité, la traduction est un véritable acte de création.

À l’invitation de l’Association des traductrices et traducteurs littéraires du Canada (ATTLC), trois artistes de la traduction relèveront le défi de faire entendre en français la voix de Dionne Brand, l’une des plus grandes poètes canadiennes contemporaines. Née à Trinité-et-Tobago et installée au Canada depuis 1970, écrivaine, essayiste, cinéaste et professeure, Dionne Brand a reçu de nombreuses distinctions, dont le prestigieux Prix Griffin de poésie. Son œuvre, encore trop peu traduite en français, explore les questions de la mémoire, de l’exil, de la justice sociale, de l’identité et de la décolonisation.

Animée par la poète, traductrice et professeure en études noires Chloé Savoie-Bernard, cette rencontre prendra la forme d’un véritable cabaret de traduction. Après un entretien avec Dionne Brand, le public découvrira trois traductions inédites de ses poèmes, réalisées spécialement pour l’occasion. Chaque traduction révélera une manière différente d’entendre, de comprendre et de recréer un même texte.

Parce qu’il n’existe jamais une seule bonne traduction, le public sera invité à participer au jeu en votant pour sa version préférée. Une manière ludique et stimulante de découvrir les choix, les hésitations et les libertés qui font de la traduction l’un des plus fascinants chantiers de création.

Porté par la voix puissante et singulière de Queen Ka, Je vous aime tant est un concert littéraire d’une rare intensité, où la poésie québécoise reprend souffle et résonne avec une force profondément contemporaine. Adapté de l’album du même nom, ce spectacle fait dialoguer les mots de figures marquantes de notre littérature — Saint-Denys-Garneau, Gilbert Langevin, Pierre Morency, Hélène Dorion, Jean-Paul Daoust, Denise Boucher, Michèle Lalonde, Hélène Monette — à ceux d’autrices et poètes contemporain·e·s comme Marie-Andrée Gill, Catherine Côté et Elkahna Talbi.

Entre récital, concert et traversée poétique, Queen Ka récite autant qu’elle chante ces textes qu’elle habite avec sensibilité, énergie et élégance. Soutenue par les compositions originales de Blaise Borboën-Léonard et Stéphane Leclerc, l’œuvre déploie un univers sonore où se mêlent électro, folk et musique contemporaine. Ce métissage musical accompagne et amplifie la charge émotive des textes, leur offrant une nouvelle résonance sans jamais trahir leur profondeur ni leur beauté.

Projet singulier et audacieux, porté avec cœur et intelligence, Je vous aime tant nous rappelle que la poésie est un pays en soi. Accompagnée de ses précieux musiciens, Queen Ka nous y entraîne dans un voyage vibrant et profondément habité.

Le Festival international de la littérature (FIL) est heureux de s’associer, pour une cinquième année consécutive, à l’Espace de la diversité (EDLD) afin de présenter une série de rencontres littéraires dans le Grand salon de l’esplanade Tranquille, au cœur du Quartier des spectacles. Sous le thème « Les écrivain·es disent non à la guerre », ces échanges proposeront une réflexion à la croisée de la création littéraire et de la pensée contemporaine.

Depuis sa création, l’EDLD fait entendre une pluralité de voix en mettant en lumière les expériences d’auteur·rices, de lecteur·rices et de passeur·euses de toutes origines. Fidèle à sa mission, l’organisme œuvre à repenser le vivre-ensemble en combattant le racisme et l’exclusion par le livre, faisant de la littérature un espace de dialogue, de résistance et de rencontre.

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Mardi 29 septembre – 12 h à 13 h 
L’humanité, au-delà des conflits politiques
Qu’en est-il de l’humanité, de la vie, de l’espoir et de l’amour, qui fleurissent même en temps de guerre?
Invité·es : Blaise Ndala, Dimitri Nasrallah et Adis Simidzija
Animation : Marie Brodeur Gélinas

Porté par la voix puissante et singulière de Queen Ka, Je vous aime tant est un concert littéraire d’une rare intensité, où la poésie québécoise reprend souffle et résonne avec une force profondément contemporaine. Adapté de l’album du même nom, ce spectacle fait dialoguer les mots de figures marquantes de notre littérature — Saint-Denys-Garneau, Gilbert Langevin, Pierre Morency, Hélène Dorion, Jean-Paul Daoust, Denise Boucher, Michèle Lalonde, Hélène Monette — à ceux d’autrices et poètes contemporain·e·s comme Marie-Andrée Gill, Catherine Côté et Elkahna Talbi.

Entre récital, concert et traversée poétique, Queen Ka récite autant qu’elle chante ces textes qu’elle habite avec sensibilité, énergie et élégance. Soutenue par les compositions originales de Blaise Borboën-Léonard et Stéphane Leclerc, l’œuvre déploie un univers sonore où se mêlent électro, folk et musique contemporaine. Ce métissage musical accompagne et amplifie la charge émotive des textes, leur offrant une nouvelle résonance sans jamais trahir leur profondeur ni leur beauté.

Projet singulier et audacieux, porté avec cœur et intelligence, Je vous aime tant nous rappelle que la poésie est un pays en soi. Accompagnée de ses précieux musiciens, Queen Ka nous y entraîne dans un voyage vibrant et profondément habité.

Le film aborde les thèmes de l’amour et de la haine. Au cœur de l’intrigue se trouvent
deux poètes, Ingeborg Bachmann et Paul Celan, qui se sont rencontrés dans la Vienne de
l’après-guerre. Leur intense correspondance constitue la base textuelle du film. Deux
jeunes comédiens, Anja Plaschg et Laurence Rupp, se retrouvent dans un studio
d’enregistrement pour lire ces lettres. Les émotions tumultueuses que suscitent la
proximité et la distance, la fascination et la peur, les captivent. Mais ils apprécient aussi
la compagnie l’un de l’autre, se disputant, fumant, discutant de leurs tatouages et de leur
musique préférée. L’amour d’hier, l’amour d’aujourd’hui et celui de demain : là où les
frontières s’estompent…

Une femme marche sur les trottoirs d’un Paris mouillé de neige ; elle a rendez-vous dans un musée. On apprend qu’elle est historienne de l’art grâce au flux dévorant de sa pensée, qui nous fait percevoir tout ce qui se déroule autour d’elle, en elle. Elle n’est venue que pour voir CUMUL I de Louise Bourgeois, l’objet de la recherche d’un de ses étudiants. Mais avec quelle légitimité prétend-elle observer cette œuvre moderne, elle qui est spécialiste de la peinture nordique du XIXe siècle ?

Dans la blancheur de la neige comme devant celle du marbre façonné de protubérances étranges, les mots tournoient comme des flocons glacés dans sa tête, brassant les questions de l’identité, de l’imposture, du désir et du rapport à l’Autre. Les méandres labyrinthiques de la sculpture semblent hanter sa conscience avant même qu’elle ne les découvre. C’est ce qui fait la virtuosité de ce texte, né d’une commande du Centre Pompidou : l’œuvre d’art y est présente en creux, de façon subliminale, par échos poétiques et analogies avec la matière des mots. Ce texte plonge dans les tréfonds d’une intimité pourtant écrite à la troisième personne. C’est la pensée qui parle d’elle-même, tout en s’incarnant complètement.

ÉCHO CRITIQUE « Personnel, politique et romanesque à la fois, traversé par une vision de l’art qui s’éprouve au-delà des discours, Cumul I poursuit avec bravoure l’aventure littéraire d’une des plumes les plus stimulantes de notre temps. » Nicolas Julliard, Radio Télévision Suisse (RTS)

Le Festival international de la littérature (FIL) est heureux de s’associer, pour une cinquième année consécutive, à l’Espace de la diversité (EDLD) afin de présenter une série de rencontres littéraires dans le Grand salon de l’esplanade Tranquille, au cœur du Quartier des spectacles. Sous le thème « Les écrivain·es disent non à la guerre », ces échanges proposeront une réflexion à la croisée de la création littéraire et de la pensée contemporaine.

Depuis sa création, l’EDLD fait entendre une pluralité de voix en mettant en lumière les expériences d’auteur·rices, de lecteur·rices et de passeur·euses de toutes origines. Fidèle à sa mission, l’organisme œuvre à repenser le vivre-ensemble en combattant le racisme et l’exclusion par le livre, faisant de la littérature un espace de dialogue, de résistance et de rencontre.

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Mercredi 30 septembre– 12 h à 13 h
Quand le cœur s’empare de la plume : écrire à partir du cœur
Que signifie écrire à partir du cœur ? Est-ce toujours possible ? Quelles sont les conditions qui permettent à la plume de restituer ce que l’on a sur le cœur ?
Invité·es : Éric Chacour, Sophie Lalonde-Roux et Hyam Yared
Animation : Ann-Sophie Kouadio .IV

Suivi d’une discussion avec Laura-Ève Lambert et Denis Marleau

Une femme marche sur les trottoirs d’un Paris mouillé de neige ; elle a rendez-vous dans un musée. On apprend qu’elle est historienne de l’art grâce au flux dévorant de sa pensée, qui nous fait percevoir tout ce qui se déroule autour d’elle, en elle. Elle n’est venue que pour voir CUMUL I de Louise Bourgeois, l’objet de la recherche d’un de ses étudiants. Mais avec quelle légitimité prétend-elle observer cette œuvre moderne, elle qui est spécialiste de la peinture nordique du XIXe siècle ?

Dans la blancheur de la neige comme devant celle du marbre façonné de protubérances étranges, les mots tournoient comme des flocons glacés dans sa tête, brassant les questions de l’identité, de l’imposture, du désir et du rapport à l’Autre. Les méandres labyrinthiques de la sculpture semblent hanter sa conscience avant même qu’elle ne les découvre. C’est ce qui fait la virtuosité de ce texte, né d’une commande du Centre Pompidou : l’œuvre d’art y est présente en creux, de façon subliminale, par échos poétiques et analogies avec la matière des mots. Ce texte plonge dans les tréfonds d’une intimité pourtant écrite à la troisième personne. C’est la pensée qui parle d’elle-même, tout en s’incarnant complètement.

ÉCHO CRITIQUE « Personnel, politique et romanesque à la fois, traversé par une vision de l’art qui s’éprouve au-delà des discours, Cumul I poursuit avec bravoure l’aventure littéraire d’une des plumes les plus stimulantes de notre temps. » Nicolas Julliard, Radio Télévision Suisse (RTS)

« Bienvenue à Kaïros, l’émission nocturne qui saisit le temps… » disait Emmanuel Schwartz, alias Manu, au micro de son émission. Et si un film pouvait se prolonger dans la ville? Inspirée de son long métrage Kaïros, la cinéaste Jennifer Alleyn propose une expérience à la croisée du cinéma, de la littérature et de la déambulation urbaine.Guidé par une trame sonore accessible sur téléphone, le public est invité à parcourir les lieux où le film a été tourné et à redécouvrir Montréal à travers ses paysages, ses souvenirs et ses résonances poétiques.

Ponctuée d’extraits littéraires, de musiques, de commentaires de la réalisatrice et de lectures de textes qui l’habitent, cette promenade fait écho aux thèmes au cœur de Kaïros : la mémoire, le déracinement, la fragilité du présent, la puissance de l’imaginaire et le rôle essentiel de l’art pour traverser les épreuves. On y entend notamment des mots d’Evelyne de la Chenelière, Mordecai Richler et Caroline Dawson dont les œuvres traversent le film comme autant de repères sensibles.

Une invitation à marcher dans les pas du film, là où cinéma et littérature deviennent refuges, compagnons de route et outils de résistance.

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Eric Jean est sans l’ombre d’un doute l’un des metteurs en scène les plus estimés et les plus singuliers de sa génération. Créateur audacieux et unique, dont l’apport artistique au théâtre québécois est considérable, il nourrit depuis toujours une passion pour la photographie. « Comme en mise en scène, photographier, c’est choisir ce qui entre dans le cadre et ce qui reste dans l’ombre, dit-il. Mais c’est aussi accepter que l’image déborde, qu’elle raconte ce qui était là avant et ce qui viendra après. C’est un récit en suspens, un fragment de vie qui continue de vibrer une fois le déclencheur relâché. »

Parce que nous savons qu’Eric Jean est aussi un grand lecteur, nous avons voulu rendre hommage à son talent en demandant à dix artistes des mots d’écrire un texte inspiré d’une de ses photographies, choisie par chacun·e. Le résultat est magnifique. Vous découvrirez ces textes, lus par leurs auteur·rice·s, en ligne, un à la fois, en début de journée, pendant toute la durée du Festival.

Une présentation de l’Association des traductrices et traducteurs littéraires du Canada
À découvrir gratuitement du 23 septembre au 3 octobre.

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OANA AVASILICHIOAEI, ARTISTE DE L’ÉCOUTE
La traduction est un art discret, mais essentiel. À travers cette série de balados, des traductrices d’expérience racontent leur parcours, les œuvres qui les ont marquées, les défis qu’elles ont relevés et leur conception de ce métier de création. En compagnie de Jeannot Clair, elles réfléchissent aux multiples enjeux de la traduction littéraire d’aujourd’hui.
Épisode enregistré à la Bibliothèque du Plateau Mont-Royal par Benoît Côté.

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CATHERINE EGO, PASSEUSE DE LITTÉRATURE DES PREMIÈRES NATIONS
Catherine Ego, traductrice canadienne née en France, artiste de scène, deux fois lauréate du Prix du Gouverneur général pour la traduction de l’anglais au français, grande passeuse de la littérature des Premières Nations, parle de son arrivée au Québec, de l’appel du métier, de son groupe Paroles Égales, de son travail de guérison des mémoires, et de l’expérience de traduire Markoosie Patsauq, Anahareo, et quelques romans d’amour.
Épisode enregistré par Benoît Côté à la Livrerie, à Montréal, dans le cadre du programme Dans la ville du Salon du livre de Montréal. Sons additionnels d’Oana Avasilichioaei.

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DOMINIQUE FORTIER, LA STYLISTIQUE APPLIQUÉE
Dominique Fortier, écrivaine et traductrice, lauréate du Prix de traduction de la Fondation Cole et du prix Renaudot essai parmi de nombreux autres, se questionne sur les liens (fantasmés ?) entre écriture et traduction, révèle les leçons que lui ont données plusieurs figures de mentor·es, parle des textes forts différents de Lisa Moore, Anne Michaels et Heather O’Neill qu’elle a pu traduire, et, au fond, en revient toujours à la poésie.
Épisode enregistré par Adrien White à l’Hôtel 10, à Montréal, dans le cadre du festival littéraire Metropolis bleu. Sons additionnels d’Oana Avasilichioaei.

Le Festival international de la littérature (FIL) est heureux de s’associer, pour une cinquième année consécutive, à l’Espace de la diversité (EDLD) afin de présenter une série de rencontres littéraires dans le Grand salon de l’esplanade Tranquille, au cœur du Quartier des spectacles. Sous le thème « Les écrivain·es disent non à la guerre », ces échanges proposeront une réflexion à la croisée de la création littéraire et de la pensée contemporaine.

Depuis sa création, l’EDLD fait entendre une pluralité de voix en mettant en lumière les expériences d’auteur·rices, de lecteur·rices et de passeur·euses de toutes origines. Fidèle à sa mission, l’organisme œuvre à repenser le vivre-ensemble en combattant le racisme et l’exclusion par le livre, faisant de la littérature un espace de dialogue, de résistance et de rencontre.

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Jeudi 1^er octobre – 12 h à 13 h 
Des mots pour soigner les maux : la littérature jeunesse face aux réalités du monde
Comment écrire la guerre, la haine et tous les maux de notre époque pour un très jeune public? Comment les outiller face aux dures réalités du monde, tout en leur permettant de rester des enfants ?
Invité·es : Jocelyn Sioui, Nour Symon et Cynthia Rodriguez
Animation : Anne-Marie le Saux

Elle est autrichienne, lui suisse, elle poète, lui dramaturge, elle audacieuse et
vulnérable, lui hardi et un peu bourgeois : Ingeborg Bachmann et Max Frisch sont déjà
des stars internationales de la scène culturelle lorsqu’ils se rencontrent pour la première
fois à Paris, à l’été 1958. Les quatre années qui suivent, ils tentent de vivre un grand
amour et une relation ouverte entre Zurich, sa ville natale, et Rome, sa ville d’adoption.
Frisch envie sa renommée ; Bachmann est agacée par le cliquetis de sa machine à
écrire et par sa jalousie. Margarethe von Trotta entrelace les années de leur vie
commune et celles qui suivent la rupture pour dresser le portrait sensible d’une femme
qui cherche à préserver son indépendance, sa voix et son intégrité. Plus qu’un récit
biographique, le film célèbre son aspiration à l’amour, au respect et à la création.

Publié en 2018 aux Éditions Le Cheval d’août, Créatures du hasard, premier roman de Lula Carballo, a immédiatement retenu l’attention par sa langue singulière et son regard à la fois tendre et lucide sur les liens familiaux, la migration et les héritages qui nous façonnent. Dans ce récit profondément incarné, l’autrice fait émerger un univers où les mémoires, les femmes et les territoires s’entrelacent pour raconter une enfance marquée autant par la fragilité que par la résistance.

Comment préserver cette voix si particulière lorsqu’elle quitte la page pour rejoindre l’écran? Qu’est-ce qu’un film peut révéler d’un roman? Que faut-il transformer, inventer ou abandonner lorsqu’une œuvre change de langage?

Réalisatrice de plusieurs documentaires remarqués, Nadine Gómez signe l’adaptation cinématographique de Créatures du hasard, dont la sortie est prévue en novembre 2026. Aux côtés de Lula Carballo, elle reviendra sur les choix artistiques, les défis et les découvertes qui ont jalonné cette traversée du livre au cinéma.

Ponctuée d’une lecture d’extraits du roman et de la projection en avant-première de scènes du film, cette rencontre propose une plongée dans les coulisses de l’adaptation et met en lumière le dialogue fécond qui peut naître entre littérature et cinéma.

Une femme marche sur les trottoirs d’un Paris mouillé de neige ; elle a rendez-vous dans un musée. On apprend qu’elle est historienne de l’art grâce au flux dévorant de sa pensée, qui nous fait percevoir tout ce qui se déroule autour d’elle, en elle. Elle n’est venue que pour voir CUMUL I de Louise Bourgeois, l’objet de la recherche d’un de ses étudiants. Mais avec quelle légitimité prétend-elle observer cette œuvre moderne, elle qui est spécialiste de la peinture nordique du XIXe siècle ?

Dans la blancheur de la neige comme devant celle du marbre façonné de protubérances étranges, les mots tournoient comme des flocons glacés dans sa tête, brassant les questions de l’identité, de l’imposture, du désir et du rapport à l’Autre. Les méandres labyrinthiques de la sculpture semblent hanter sa conscience avant même qu’elle ne les découvre. C’est ce qui fait la virtuosité de ce texte, né d’une commande du Centre Pompidou : l’œuvre d’art y est présente en creux, de façon subliminale, par échos poétiques et analogies avec la matière des mots. Ce texte plonge dans les tréfonds d’une intimité pourtant écrite à la troisième personne. C’est la pensée qui parle d’elle-même, tout en s’incarnant complètement.

ÉCHO CRITIQUE « Personnel, politique et romanesque à la fois, traversé par une vision de l’art qui s’éprouve au-delà des discours, Cumul I poursuit avec bravoure l’aventure littéraire d’une des plumes les plus stimulantes de notre temps. » Nicolas Julliard, Radio Télévision Suisse (RTS)

Le Festival international de la littérature (FIL) est heureux de s’associer, pour une cinquième année consécutive, à l’Espace de la diversité (EDLD) afin de présenter une série de rencontres littéraires dans le Grand salon de l’esplanade Tranquille, au cœur du Quartier des spectacles. Sous le thème « Les écrivain·es disent non à la guerre », ces échanges proposeront une réflexion à la croisée de la création littéraire et de la pensée contemporaine.

Depuis sa création, l’EDLD fait entendre une pluralité de voix en mettant en lumière les expériences d’auteur·rices, de lecteur·rices et de passeur·euses de toutes origines. Fidèle à sa mission, l’organisme œuvre à repenser le vivre-ensemble en combattant le racisme et l’exclusion par le livre, faisant de la littérature un espace de dialogue, de résistance et de rencontre.

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Vendredi 2 octobre – 12 h à 13 h   
La poésie, entre douceur et acte de résistance
Quel est le rôle de la poésie face à la guerre, au racisme et à la haine ? Un moyen d’adoucir l’existence ou plutôt un outil de lutte et de résistance ?
Invité·es : Jean Désy, Eli Tareq El Bechelany-Lynch et James Noël
Animation : Eang-Nay Theam

Pour une troisième année consécutive, le FIL s’associe à Ma Parole! afin d’aller à la rencontre des nouveaux et nouvelles arrivant·es dans des centres de francisation. Cette année, la lecture-spectacle mettra à l’honneur C’était ça ou mourir de Thélyson Orélien, qui, comme Caroline Dawson puis Kim Thúy lors des éditions précédentes, explore dans son œuvre les liens entre mémoire, exil et appartenance.

« Si Haïti est la mère qui m’a donné naissance dans la douleur et dans la beauté, le Québec est celle qui vient, sans effacer la première, recueillir l’enfant blessé, l’adopter, lui tendre une maison, une saison plus respirable, une autre chance », écrit l’auteur de ce récit a qui a suscité dès sa parution un engouement immédiat, tant auprès de la critique que du public.

Tout au long du FIL, Ines Talbi et Christian M. Rangel Anguirre feront résonner cette œuvre auprès des apprenant·es. Après chaque représentation, les participant·es seront invité·es à écrire un texte inspiré du livre, qui sera ensuite lu en public par les artistes lors d’un apéro festif à la librairie La Livrerie.

Après avoir collaboré, en 2023, à la création des Arcanes, où littérature et mouvement dialoguaient dans une mise en scène du chorégraphe Paul-André Fortier, Tristan Malavoy poursuit son exploration des liens entre le corps, la mémoire et le récit de soi. Avec Ce que ne disent pas les miroirs, il imagine une œuvre qui prend naissance non pas dans un livre, mais dans les histoires que les corps portent en eux.

À travers des ateliers de yoga, d’expression corporelle et d’écriture, les interprètes explorent les souvenirs, les héritages et les émotions inscrits dans leur chair. Peu à peu, leurs récits personnels se transforment en gestes, les gestes deviennent chorégraphie, et les trajectoires individuelles composent un langage collectif.

Comment faire surgir une œuvre à partir d’expériences vécues? Comment les mots cèdent-ils peu à peu la place au mouvement? Qu’est-ce que le corps révèle que le langage ne peut dire?

Au cours de cette rencontre, Tristan Malavoy et ses complices lèveront le voile sur une création en devenir, partageant les réflexions qui nourrissent leur démarche et les découvertes faites au fil des ateliers de cocréation. Ponctué de brèves performances issues de ces laboratoires, ce chantier offrira au public un accès privilégié au passage de l’intime à la scène, là où les mots deviennent gestes et où les gestes racontent à leur tour.

Suivi d’une discussion avec Marie-Thérèse Fortin et Dominique Fortier

Publié en 1945 au Canada et couronné du prix Femina en France en 1947, Bonheur d’occasion s’impose comme une œuvre fondatrice de la littérature canadienne. Avec une humanité bouleversante, Gabrielle Roy donne voix ici à des destinées à la fois fragiles et puissantes. Cette fresque profondément attachante raconte la grande affaire d’exister : les élans, les désillusions et ces moments rares où la lumière persiste malgré tout.

Dans le Montréal de la Seconde Guerre mondiale, Florentine, Rose-Anna, Azarius, Emmanuel et Jean cherchent, chacun à leur manière, un chemin vers le bonheur — dans l’amour, la famille ou l’espoir d’une ascension sociale. Mais comment vivre et choisir lorsque le monde vacille, pris entre les promesses de progrès et les violences de l’Histoire?

Porté à la scène dans une lecture incarnée par Marie-Thérèse Fortin, ce grand roman social retrouve toute sa force d’évocation. Après avoir marqué les esprits avec La Détresse et l’enchantement, elle s’impose comme une interprète privilégiée pour porter à nouveau la langue de Gabrielle Roy. Elle sera accompagnée dans cette création par l’écrivaine Dominique Fortier, grande connaisseuse de l’œuvre de Gabrielle Roy, dont le regard sensible nourrira la conception du spectacle, tant dans le choix des extraits que dans la réflexion dramaturgique et la mise en espace de cette lecture.

Angelo Barsetti, maquilleur et photographe, intimement lié au monde de la danse, livre ici une série d’images, un portrait délicat de la danseuse et chorégraphe Louise Bédard. Il épie ses gestes, pas à pas, donnant à voir toute la poésie et les mystères de cette artiste semblant porter en Elle mille femmes, mille secrets.

Rencontrer Louise, dès la création de sa compagnie en 1990, a été un des rendez-vous les plus importants, des plus signifiants, de sa vie d’artiste. Il y eut tout de suite entre Elle et lui une chimie, une douce complicité, une liberté créatrice tant au maquillage, au costume, qu’à l’imagerie. Rencontrer Louise, c’est se laisser imprégner, d’une production à l’autre, par une œuvre si généreuse, faite de petites histoires d’une grande humanité où Elle se donne corps et âme.

Il a photographié Louise maintes et maintes fois pour les images promotionnelles de ses œuvres chorégraphiques, mais il leur a plu de poursuivre ces rendez-vous pour explorer d’autres avenues artistiques. Il a souhaité partager le fruit de leurs rencontres, de leurs jeux, de son regard posé sur Elle. À ces images s’ajoutent des textes d’autrices, autant d’hommages à Louise qui prolongent ce portrait sensible et pluriel.

Publié en 1945 au Canada et couronné du prix Femina en France en 1947, Bonheur d’occasion s’impose comme une œuvre fondatrice de la littérature canadienne. Avec une humanité bouleversante, Gabrielle Roy donne voix ici à des destinées à la fois fragiles et puissantes. Cette fresque profondément attachante raconte la grande affaire d’exister : les élans, les désillusions et ces moments rares où la lumière persiste malgré tout.

Dans le Montréal de la Seconde Guerre mondiale, Florentine, Rose-Anna, Azarius, Emmanuel et Jean cherchent, chacun à leur manière, un chemin vers le bonheur — dans l’amour, la famille ou l’espoir d’une ascension sociale. Mais comment vivre et choisir lorsque le monde vacille, pris entre les promesses de progrès et les violences de l’Histoire?

Porté à la scène dans une lecture incarnée par Marie-Thérèse Fortin, ce grand roman social retrouve toute sa force d’évocation. Après avoir marqué les esprits avec La Détresse et l’enchantement, elle s’impose comme une interprète privilégiée pour porter à nouveau la langue de Gabrielle Roy. Elle sera accompagnée dans cette création par l’écrivaine Dominique Fortier, grande connaisseuse de l’œuvre de Gabrielle Roy, dont le regard sensible nourrira la conception du spectacle, tant dans le choix des extraits que dans la réflexion dramaturgique et la mise en espace de cette lecture.